Aux origines d’Origin: les jalons du cinéma afro-américain

Avec son collectif ARRAY, Ava DuVernay met en avant le travail de cinéastes de couleur et de femmes réalisatrices. Ses films s’inscrivent dans la grande tradition engagée du cinéma 
afro-américain.

Apparue sur les radars cinéphiles en 2010 avec son premier long métrage I Will Follow, Ava DuVernay a confirmé dans la foulée avec Middle of Nowhere (2012), grâce auquel elle est devenue la première cinéaste afro-américaine à être sacrée meilleure réalisatrice au festival de Sundance, puis Selma (2014), qui lui a valu plusieurs nominations aux Golden Globes et aux Oscars mais aussi une… poupée Barbie à son effigie. Ces films fondateurs de son parcours ont tous les trois vu le jour sous la présidence de Barack Obama, et relèvent exemplativement de ce qu’un auteur comme le Français Régis Dubois a pu appeler « le cinéma noir américain des années Obama ». Soit des films produits entre 2009 et 2017, majoritairement réalisés par des Noirs et s’emparant souvent assez frontalement de thématiques en lien avec l’histoire des Afro-Américains: esclavage, racisme, ségrégation, lutte pour les droits civiques… On pense ainsi, par exemple, à The Butler de Lee Daniels, 12 Years a Slave de Steve McQueen, Fruitvale Station de Ryan Coogler, Dear White People de Justin Simien, Moonlight de Barry Jenkins, The Birth of a Nation de Nate Parker ou bien encore Get Out de Jordan Peele. Parmi d’autres.

Naissance d’une mouvance

Si ce mouvement se poursuit aujourd’hui, il ne vient pas non plus de nulle part. Il s’origine en fait très tôt, dans le cinéma des premiers temps, au début du XXe siècle. Dès 1912, en effet, William D. Foster, producteur pionnier soucieux de casser l’image stéréotypée et dégradante qu’offrait déjà des Afro-Américains le cinéma d’alors, réalise The Railroad Porter, court film qui rend hommage à la série des Keystone Kops, et leurs fameuses scènes de courses-poursuites burlesques, mais offre surtout un début de réflexion sur la représentation de sa communauté à l’écran. Six ans plus tard, Emmett Jay Scott finance The Birth of a Race en réponse au très problématique The Birth of a Nation de D. W. Griffith. Visible sur le site de la Cinémathèque française, cette longue fresque sur la fondation des États-Unis n’effleure finalement que très gentiment la question du racisme, mais se pose tout de même en grande défenseuse de l’égalité à travers les siècles. Dans la foulée, Oscar Micheaux, souvent considéré comme le véritable père du cinéma afro-américain, crée en 1919 à Chicago sa propre compagnie de production et met en scène une série d’œuvres pionnières en la matière, de The Homesteader à The 
Symbol of the Unconquered en passant par Within Our Gates. Réalisateur qui s’est lui aussi en partie construit en réaction à l’image infamante véhiculée par The Birth of a Nation de Griffith, il signera ce que l’on a appelé alors des « race movies » jusqu’à la fin des années 40.

Dès le début des années 30, une femme noire, Eloyce Gist, passe derrière la caméra pour ne travailler qu’avec un casting entièrement afro-américain. Avec son mari James, elle signe des films aux thèmes religieux et moraux (Hell Bound Train, Verdict Not Guilty) destinés à élever spirituellement les spectateurs issus de leur communauté. En parallèle, l’autrice et anthropologue Zora Neale Hurston, originaire de l’Alabama, tourne des images documentaires sur la ruralité noire aux États-Unis et en Haïti.

Récits de rébellion et passages de témoin

Mais il faudra attendre les années 70 pour voir une véritable explosion du cinéma afro-américain. C’est bien sûr la décennie de la blaxploitation, mouvance passablement funky et musclée qui sort les personnages afro-américains des rôles secondaires, caricaturaux et de faire-valoir dans lesquels ils sont trop souvent cantonnés. Si elles finiront hélas aussi parfois par participer à la perpétuation de certains stéréotypes, ces œuvres faites par des Noirs pour les Noirs marquent indéniablement un tournant dans l’Histoire sociale et culturelle US. Moins connu que Shaft ou Super Fly, un film comme The Spook Who Sat by the Door d’Ivan Dixon (1973) restera par exemple comme un important brûlot aux accents révolutionnaires.

À la même époque, plusieurs cinéastes noirs indépendants font leurs premiers pas derrière la caméra. Ils sont souvent issus de ce que l’on a appelé alors la L.A. Rebellion, mouvement initié par des réalisateurs afro-américains ayant étudié à la UCLA Film School. C’est le cas notamment de Charles Burnett (Killer of Sheep) et de Larry Clark (pas le réalisateur de Kids, mais bien celui de Passing Through). Mais c’est le cas également d’une réalisatrice comme Julie Dash, qui, avec Fronza Woods (Killing Time) et la Martiniquaise Euzhan Palcy (les emblématiques Rue Cases-Nègres et Une saison blanche et sèche en 1983 et 1989), fait figure de véritable mère spirituelle du cinéma d’Ava DuVernay. Ses courts Four Women (1975) et Illusions (1982) interrogent et dénoncent les discriminations raciales et sexuelles. Tandis que son long métrage culte, Daughters of the Dust (1991), raconte l’histoire de trois générations de femmes afro-américaines.

Avec l’avènement de Spike Lee (School Daze, Do the Right Thing) dans les années 80, le cinéma afro-américain se trouve un nouveau chantre, drôle, polémique et inspiré, de la revendication, qui continue d’irriguer la jeune garde d’aujourd’hui (voir encore cette année l’acerbe et réjouissant American Fiction de Cord Jefferson, 
qui vient de décrocher l’Oscar du meilleur scénario adapté). Apologiste star de la multiculturalité et de la lutte contre les discriminations, Ava DuVernay est désormais elle-même, à travers ses films et ses prises de position, la fière dépositaire d’un flambeau qui rayonne sur le monde du cinéma et au-delà.